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Año 7 #78 Abril 2021

El Maestro: Federico Fellini y la magia perdida del cine

“El arte del cine está siendo sistemáticamente devaluado, marginado, degradado y reducido a su mínimo común denominador, el ‘contenido’”, dice el gran Martin Scorsese en este notable este artículo sobre uno de los monstruos del cine, Federico Fellini.

Hace décadas un crítico francés que luego sería un gran director de cine, François Truffaut, le hizo durante seis días un imperdible reportaje al gran Alfred Hitchcock. El reportaje se hizo libro y es una obra imperdible para artistas y público (puede leerse el prólogo en La Purpura en https://www.lapurpuradetiro.com.ar/index.php/numeros-anteriores/item/101-prologo-el-cine-segun-hitchcock).

Ojalá Scorsese lo extienda y se haga libro. Sería, sin duda, un texto tan imperdible como el de Truffaut (además, Scorsese es un discípulo del inglés de Psicosis).

El maestro:

Federico Fellini y la magia perdida del cine

 

Aparecido en Harper’s Magazine, febrero de 2021.
https://harpers.org/archive/2021/03/il-maestro-federico-fellini-martin-scorsese/

 

EXT. CALLE 8 - TARDE EN LA TARDE (C. 1959).

CÁMARA EN MOVIMIENTO CONTINUO está en el hombro de un joven, al final de la adolescencia, que camina con atención hacia el oeste por una concurrida calle de Greenwich Village.

Debajo de un brazo, lleva libros. En su otra mano, una copia de The Village Voice.

Camina rápidamente, pasando por hombres con abrigos y sombreros, mujeres con pañuelos sobre la cabeza empujando carritos de compras plegables, parejas tomadas de la mano, poetas, estafadores, músicos y borrachos, pasando por farmacias, licorerías, venta de embutidos, edificios de apartamentos.

Pero el joven se concentra en una cosa: la marquesina del Art Theatre, que interpreta Shadows de John Cassavetes y Les Cousins ​​de Claude Chabrol.

Toma una nota mental y luego cruza la Quinta Avenida y sigue caminando hacia el oeste, pasando por librerías y tiendas de discos y estudios de grabación y zapaterías, hasta que llega al teatro de la calle 8: The Cranes Are Flying e Hiroshima Mon Amour, y Jean-Luc Godard. ¡Sin aliento!

Nos quedamos en él mientras gira a la izquierda en la Sexta Avenida y se abre paso entre los comensales y más licorerías, quioscos y una tienda de cigarros y cruza la calle para ver bien la marquesina de Waverly: Ashes and Diamonds.

Vuelve hacia el este por West 4th pasando Kettle of Fish y Judson Memorial Church en Washington Square South, donde un hombre con un traje raído está repartiendo folletos: Anita Ekberg con pieles, y La Dolce Vita se estrena en un teatro legítimo en Broadway con asientos reservados a la venta al precio de las entradas de Broadway.

Camina por La Guardia Place hasta Bleecker, pasa Village Gate y Bitter End hasta Bleecker Street Cinema, que muestra Through a Glass Darkly, Shoot the Piano Player y Love at Twenty, y La Notte se detiene por tercera vez consecutiva.

Se pone en fila para la película de Truffaut y abre su copia de la sección Voice to the Film y una lista de riquezas salta de las páginas y se arremolina a su alrededor: Winter Light... Carterista... El tercer amante... La mano en la trampa… Proyecciones de Andy Warhol… Cerdos y acorazados… Kenneth Anger y Stan Brakhage en Anthology Film Archives… Le Doulos… y en medio de todo esto, más grande que el resto: ¡Joseph E. Levine presenta de Federico Fellini!

Mientras lee detenidamente las páginas, la CÁMARA SE ALZA SOBRE ÉL y la multitud que espera, como si estuviera sobre las olas de su emoción.

 

Avance hasta el día de hoy, ya que el arte del cine está siendo sistemáticamente devaluado, marginado, degradado y reducido a su mínimo común denominador, el “contenido”.

Hace tan solo quince años, el término “contenido” se escuchaba solo cuando la gente hablaba del cine en un nivel serio, y se contrastaba con la “forma” y se comparaba con ella. Luego, gradualmente, fue utilizado cada vez más por las personas que se hicieron cargo de las empresas de medios, la mayoría de las cuales no sabían nada sobre la historia de la forma de arte, o incluso no se preocuparon lo suficiente como para pensar que deberían hacerlo. “Contenido” se convirtió en un término comercial para todas las imágenes en movimiento: una película de David Lean, un video de gatos, un comercial de Super Bowl, una secuela de superhéroes, un episodio de serie. Estaba vinculado, por supuesto, no a la experiencia teatral sino a la visualización en casa, en las plataformas de transmisión que han llegado a superar la experiencia de ir al cine, al igual que Amazon superó a las tiendas físicas. Por un lado, esto ha sido bueno para los cineastas, incluido yo mismo. Por otro lado, ha creado una situación en la que todo se presenta al espectador en igualdad de condiciones, lo que suena democrático, pero no lo es. Si los algoritmos “sugieren” más visualización basados ​​en lo que ya ha visto, y las sugerencias se basan solo en el tema o el género, ¿qué le hace eso al arte del cine?

La curaduría no es antidemocrática o “elitista”, un término que ahora se usa con tanta frecuencia que ha perdido sentido. Es un acto de generosidad: estás compartiendo lo que amas y lo que te ha inspirado. (Las mejores plataformas de transmisión, como Criterion Channel y MUBI y los medios tradicionales como TCM, se basan en la curaduría, en realidad están curadas). Los algoritmos, por definición, se basan en cálculos que tratan al espectador como un consumidor y nada demás.

Las decisiones tomadas por distribuidores como Amos Vogel en Grove Press en los años sesenta no fueron solo actos de generosidad sino, con bastante frecuencia, de valentía. Dan Talbot, que era expositor y programador, fundó New Yorker Films para distribuir una película que amaba, Before the Revolution de Bertolucci, que no es exactamente una apuesta segura. Las imágenes que llegaron a estas costas gracias al esfuerzo de estos y otros distribuidores y comisarios y expositores hicieron un momento extraordinario. Las circunstancias de ese momento se han ido para siempre, desde la primacía de la experiencia teatral hasta la emoción compartida por las posibilidades del cine. Por eso vuelvo a esos años con tanta frecuencia. Me siento afortunado de haber sido joven y estar vivo y abierto a todo lo que sucedía. El cine siempre ha sido mucho más que contenido, y siempre lo será, y la prueba son los años en los que esas películas salían de todas partes del mundo, hablando entre sí y redefiniendo la forma de arte semanalmente.

En esencia, estos artistas estaban constantemente lidiando con la pregunta “¿Qué es el cine?” y luego arrojarlo hacia atrás para que responda la siguiente película. Nadie operaba en el vacío y todos parecían estar respondiendo y alimentándose de los demás. Godard, Bertolucci, Antonioni, Bergman, Imamura, Ray, Cassavetes, Kubrick, Varda y Warhol reinventaron el cine con cada nuevo movimiento de cámara y cada nuevo corte, y cineastas más consagrados como Welles y Bresson y Huston y Visconti fueron revitalizados por el aumento en creatividad a su alrededor.

En el centro de todo, había un director al que todos conocían, un artista cuyo nombre era sinónimo de cine y lo que podía hacer. Era un nombre que evocaba instantáneamente cierto estilo, cierta actitud hacia el mundo. De hecho, se convirtió en adjetivo. Supongamos que desea describir la atmósfera surrealista en una cena, una boda, un funeral o una convención política, o para el caso, la locura de todo el planeta; todo lo que tenía que hacer era decir la palabra “Fellinesco”. Y la gente sabía exactamente lo que querías decir.

En los años sesenta, Federico Fellini se convirtió en más que un cineasta. Como Chaplin, Picasso y los Beatles, era mucho más grande que su propio arte. En cierto momento, ya no se trataba de tal o cual película, sino de todas las películas combinadas como un gran gesto escrito en toda la galaxia. Ir a ver una película de Fellini era como escuchar cantar a Callas, ver actuar a Olivier o bailar a Nureyev. Sus películas incluso comenzaron a incorporar su nombre: Fellini Satyricon, Casanova de Fellini. El único ejemplo comparable en el cine era Hitchcock, pero eso era otra cosa: una marca, un género en sí mismo. Fellini fue el virtuoso del cine.

Se ha ido hace casi treinta años. El momento en el que su influencia parecía impregnar toda la cultura ya pasó. Es por eso que la caja de Criterion, Essential Fellini, lanzada el año pasado para conmemorar el centenario de su nacimiento, es tan bienvenida.

El dominio visual absoluto de Fellini comenzó en 1963 con , en el que la cámara se cierne, flota y se eleva entre las realidades internas y externas, sintonizada con los estados de ánimo cambiantes y los pensamientos secretos del alter ego de Fellini, Guido, interpretado por Marcello Mastroianni. Miro pasajes en esa imagen, a la que he vuelto a ver más veces de las que puedo contar, y todavía me pregunto: ¿Cómo lo hizo? ¿Cómo es que cada movimiento y gesto y ráfaga de viento parece encajar perfectamente en su lugar? ¿Cómo es que todo se siente extraño e inevitable, como en un sueño? ¿Cómo podía cada momento ser tan rico en inexplicable anhelo?

El sonido jugó un papel importante en este estado de ánimo. Fellini era tan creativo con el sonido como con las imágenes. El cine italiano tiene una larga tradición de sonido no sincronizado que comenzó con Mussolini, quien decretó que todas las películas importadas de otros países deben ser dobladas. En muchas películas italianas, incluso en algunas de las mejores, la sensación de sonido incorpóreo puede ser desorientadora. Fellini supo utilizar esa desorientación como herramienta expresiva. Los sonidos y las imágenes en sus imágenes se reproducen y se mejoran entre sí de tal manera que toda la experiencia cinematográfica se mueve como música o como un gran pergamino que se despliega. Hoy en día la gente está deslumbrada por las últimas herramientas tecnológicas y lo que pueden hacer. Pero las cámaras digitales más ligeras y las técnicas de posproducción, como la costura digital y el morphing, no hacen la película por ti: se trata de las decisiones que tomas en la creación de la imagen completa. Para los grandes artistas como Fellini, ningún elemento es demasiado pequeño.

  • Martin Scorsese
    Scorsese, Martin

    Martin Scorsese (Nueva York, 1942) es uno de los grandes directores de cine actuales. Descendiente de inmigrantes sicilianos, nació en Queens, Nueva York, pero creció en el barrio Little Italy de la misma ciudad. Sus padres eran Luciano Charles Scorsese y Catherine Cappa, ambos trabajadores de la industria textil y padres de otro niño llamado Frank, mayor que Martin.

    Asmático desde su infancia, aspecto que le apartó de las prácticas deportivas, el joven Scorsese deseó en principio convertirse en cura, llegando a ingresar en el seminario de la Cathedral College.

    Martin Scorsese comienza a sentir una devoción especial por el cine siendo un adolescente y, aunque al principio se muestra interesado por la pintura, ya para finales de los años 50 abandonó su primera idea de dedicarse al sacerdocio e, influenciado por John Ford, Orson Welles, Luchino Visconti, Federico Fellini y, sobre todo, Michael Powell, Martin Scorsese comenzó a rodar sus primeros cortos, entre ellos “Vesuvius VI” (1959).

    Poco después, en el año 1963, se incorporó a la Universidad de Nueva York para estudiar Cinematografía, su gran pasión junto a la música rock. En este período rodó varios cortometrajes como What’s a Nice Girl Like You Doing In A Place Like This? (1963), It’s Not Just You, Murray! (1964) y The Big Shave (1967). Finalmente se gradúa en la Escuela de Cine en 1964.

    En 1967 dirige su primer largometraje ¿Quién llama a mi puerta?, protagonizado por el joven y brillante Harvey Keitel. Unos años más tarde conoce al famoso productor Roger Corman, quien le ofrece financiar el que se convertiría en su segundo largometraje, El tren de Bertha. En 1973 trabaja por primera vez con el actor Robert de Niro, con quien realizaría multitud de trabajos a lo largo de su carrera, en Malas calles.

    A partir de entonces se convierte en uno de los directores más prometedores de su generación y comienza a desarrollar filmes más comerciales como Alicia ya no vive aquí o Taxi Driver, que pasaría a la historia como una de las mejores películas de su carrera.

    Tras un periodo de decadencia a causa de su adicción a las drogas, en 1980 dirige una de sus obras maestras, Toro salvaje (Raging Bull), por la que recibe su primera nominación al premio Oscar y a la que seguirían otros conocidos filmes que le consagrarían como uno de los mejores directores de todos los tiempos. En 2006 Infiltrados (The Departed) recibirá su primer Oscar al Mejor Director.

    Obra:

    • Who's That Knocking at My Door(1967)
    • Boxcar Bertha(1972)
    • Mean Streets(1973)
    • Alicia ya no vive aquí(1974)
    • Taxi Driver(1976)
    • New York, New York(1977)
    • Toro salvaje(1980)
    • El rey de la comedia(1983)
    • After Hours(1985)
    • El color del dinero(1986)
    • La última tentación de Cristo(1988)
    • Goodfellas(1990)
    • Cape Fear(1991)
    • La edad de la inocencia(1993)
    • Casino(1995)
    • Kundun(1997)
    • Bringing Out the Dead(1999)
    • Gangs of New York(2002)
    • El aviador(2004)
    • The Departed(2006)
    • Shutter Island(2010)
    • Hugo(2011)
    • El lobo de Wall Street(2013)
    • Silencio(2016)
    • El irlandés(2019)
    • Killers of the Flower Moon(2021)